Introduction


ACFAS 2023 : Les formes de collaborations intersectorielles dans les industries créatives, de la R&D à la R&C [1]

Le 8 mai 2023 lors du congrès de l’ACFAS, SYNTHÈSE [2] et le <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.cdrin.com/">CDRIN</a> [3], sous la supervision scientifique de Yan Breuleux (<a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.nad.ca/fr">NAD-UQAC</a>) et Ghyslain Gagnon (<a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.etsmtl.ca/">ÉTS</a>), ont organisé une journée de cinq panels autour de la recherche intersectorielle. De la recherche-création à la recherche et développement, la rencontre des industries techno-créatives étaient au rendez-vous. Praticien·nes et chercheur·es se sont réunis afin de présenter les différents moyens entrepris pour contribuer au développement de nouvelles connaissances en art, en science et en technologies.Pour Anne Le Bouyonnec, Directrice expertise et métiers chez SYNTHÈSE, organisatrice de cet événement, l’objectif est de déboulonner certains mythes sur les arts numériques et de favoriser des collaborations fructueuses entre la recherche création (R&amp;C) et la recherche et développement (R&amp;D) en création numérique.Pour Julien Coll, co-directeur et chercheur au CDRIN, co-organisateur de cette journée, cet événement est une façon de valoriser les démarches scientifiques de recherche dans le secteur du divertissement numérique au Québec, principalement en effets visuels et animation en jeu vidéo et en expérience numérique.

Globalement, ce colloque, situé aux frontières du divertissement, du génie et de la création visait à évaluer comment permettre la coconstruction de connaissances entre praticiens et chercheurs en développant de nouveaux terrains de recherche intersectoriels provenant des industries créatives des jeux vidéo, des effets visuels et de l’expérientiel. Les recherches de ces secteurs peuvent contribuer au développement de nouvelles connaissances en art, science et technologies. Les communications des différents intervenants tracent des passages entre les arts et des disciplines telles que l’informatique, le génie, les mathématiques et la santé. Ce colloque visait également à présenter différentes avancées du secteur industriel prédisposant à la mise en place de nouveaux métiers ainsi que de zones de recherche et développement.Les panélistes, issus des milieux industriels et universitaires, sont venus présenter leurs expériences et expliquer comment conjuguer la démarche de création artistique et la démarche de recherche scientifique. La collaboration interdisciplinaire permet de trouver des solutions à des problèmes complexes en mutualisant des savoirs technologiques et des approches créatives. Ces processus de recherche-création favorisent le développement d’écosystèmes créatifs. Il s’agit de voir comment conjuguer ces deux approches au sein d’un même continuum de recherche. Les liens unissant la recherche, la création et les industries créatives forment la base de ce colloque. Reposant sur des études de cas, les chercheurs provenant de différentes disciplines mettent à profit leur savoir respectif pour développer des concepts transversaux pouvant contribuer à une meilleure compréhension de la fonction, du rôle et du potentiel des nouvelles connaissances de la recherche contribuant à l’essor des industries créatives.

<hr><h6>1. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.acfas.ca/evenements/congres/programme/90/600/624/c">90e Congrès de l'Acfas | Colloque 624 - R&amp;D et R&amp;C : les formes de collaborations intersectorielles dans les industries créatives</a></h6><h6>2. SYNTHÈSE a pour mission de fédérer les acteurs du milieu de l’enseignement et les entreprises de la création numérique partout au Québec afin d’agir sur les enjeux d’adéquation formation-emploi. SYNTHÈSE est un projet du ministère de l’Enseignement supérieur depuis 2018.</h6><h6>3. Le CDRIN, Centre de développement et de recherche en intelligence numérique, effectue de la recherche et du transfert technologique auprès de la petite, de la moyenne et de la grande entreprise dans le domaine de l’intelligence numérique, notamment dans les technologies du divertissement et en intelligence artificielle. Il répond également aux besoins de développement des compétences et de perfectionnement de ce secteur en constante évolution.</h6>

R&D et R&C : Stratégies de collaborations entre recherche & développement et création, premier panel  présente la conjonction des possibilités de collaboration entre l’ Art et la technologie.

Les présentateurs:<ul><li><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.etsmtl.ca/programmes-et-formations/corps-enseignant/ggagnon">Ghyslain Gagnon</a> (B.Ing., M.Ing. (ÉTS), Ph.D .Doyen de la Recherche et professeur ÉTS - École de technologie supérieure)</li><li><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.uqac.ca/portfolio/yanbreuleux/">Yan Breuleux</a> (professeur agrégé Ph.D. Directeur du Centre de recherches MIMESIS et professeur à l’école des arts numériques, de l’animation et du design.</li><li><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://7doigts.com/les7doigts">Alexandre Teodoresco</a> - Vice-président Innovation au lab 7 - laboratoire de recherche et d’innovation au 7 doigts.</li></ul>

<h4>L’importance de l’énaction</h4>Yan Breuleux, a présenté l’école numérique d’art et de Design de Université du Québec à Chicoutimi, une école d’animation 3D, jeux vidéo et effets visuels basée à Montréal et qui se spécialise dans les questions qui touchent l’énaction.L’énaction explique t-il « est une façon de concevoir la cognition qui met l'accent sur la manière dont les organismes et [l’esprit humain] s'organisent eux-mêmes en interaction avec l'environnement » (wiki). En effet, les cinq panels qui sont présentés dans cette journée posent un regard sur la diversité des secteurs que touchent les collaborations intersectorielles. Les discussions selon M. Breuleux permettent d’esquisser les logiques intersectorielles entre la recherche, la Recherche et le développement technologique, la recherche-création et les différences et les points de rencontre entre elles.<h4></h4><h4>Collaborations artistes-ingénieurs 5 mythes et demi.</h4>Ghyslain Gagnon explique que son parcours de collaboration artiste-ingénieur a commencé avec deux projets : Circuit de Bachelard avec Jean Dubois et Projet Nuages avec Mimesis (NAD-UQAC). Son expérience des projets collaboratifs entre artistes et ingénieurs lui a permis de dégager cinq mythes et demi (5 ½) trop souvent associés collaborations art-sciences. Premier mythe : la collaboration est une partie de plaisir. Pour les artistes, le processus est aussi important que le résultat final tandis que pour les ingénieurs qui jonglent avec plusieurs contraintes, chercher à trouver la bonne solution rapidement, le processus fait partie de la collection des données. Coût élevé pour avoir un stagiaire en ingénierie Une fois l’euphorie créative évaporée, on se rend compte que les méthodes, les approches, les objectifs sont différents et qu’il y a un travail d’arrimage pour fluidifier le fonctionnement.Le deuxième mythe révèle que le rôle de l’ingénieur ne se résume pas qu’à réaliser la vision de l’artiste. Le troisième mythe dévoile que les artistes ne sont pas que des rêveurs, qu’ils ont également de bonnes connaissances techniques et entrepreneuriales. Le quatrième mythe révèle qu’en réalité, l’œuvre n’est pas une vitrine pour mettre en valeur la technologie où le but premier est le divertissement. Le cinquième mythe renvoie au financement délicat de la recherche art-génie. Si en plus de proposer une œuvre, la recherche doit avoir un potentiel innovateur ou gain économique, cela devient compliqué. En outre, la finalité du projet ne garantit pas toujours des bénéfices égales pour l’art et le génie. L’avancée scientifique n’est pas toujours présente dans l’œuvre finale. Aussi, Ghyslain Gagnon mentionne qu’il serait plus profitable de souligner avant tout la valeur du travail collaboratif et mettre en priorité l’objet de la collaboration. <h4>Le spectre des possibles</h4>Le travail artistique de Yan Breuleux articule une logique entre conception, réalisation et technologie. Ses premières expériences s’orientaient surtout vers la création d’une œuvre en partant de la technologie. Sa collaboration avec Ghyslain Gagnon pour le Projet Nuages 2022 a ouvert la porte à un changement d’approche dans une logique de production (mise en œuvre) et création et non de spectacle. Le projet réunissait des chercheurs en musique (UdeM), de l’ÉTS et du NAD où l’accent était mis sur la présentation des résultats, technologiques et artistiques, comme des potentialités ouvertes sur le monde des possibles. Le développement d’une nouvelle technologie peut avoir plusieurs applications dans les domaines de la création, de la santé ou du génie mais peut aussi faire émerger des concepts comme par exemple, la direction de l’attention des spectateurs dans les technologies 360. Il en ressort que ce n’est pas seulement la recherche-création qui contribue aux autres disciplines mais que les autres disciplines contribuent aussi à la recherche-création. Aussi, lorsque le développement des nouvelles technologies est bien amorcé, il est favorable de tester des idées créatives et tester de nouvelles possibilités narratives. Ces investigations vont jusqu’à des questions concepts issues des sciences cognitives pouvant ouvrir vers des nouvelles voies de création et d’expérimentation. C’est ainsi que s’établit un dialogue fécond entre recherche et création. Pour les artistes, la création constitue un élément de réponse de la question de recherche même si celle-ci n’est pas toujours posée dès le départ. Il est possible qu’une question de recherche soit soulevée pendant la phase de production et que des éléments de recherche surgissent à toutes les étapes. Il faut se laisser la possibilité de découvrir le potentiel de la recherche chemin faisant.

<h4>Collaborations Arts vivants &amp; technologies</h4>Vice-Président du développement stratégique et de l'innovation aux 7 Doigts, Alexandre Theodoresco explore les nouveaux marchés et la mise en œuvre des stratégies afin d'explorer des horizons nouveaux pour la compagnie avec des centres de recherche reconnus. Les <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://7doigts.com/">7 Doigts</a> sont des chefs de file du spectacle vivant au Canada et parcourent la planète depuis 20 ans avec leurs créations originales.Dans le monde des arts de la scène et des arts vivants, se retrouvent des praticiens de l’innovation utilisant la technologie pour sublimer la performance humaine, la beauté du geste. Néanmoins, l’univers du spectacle se situe plus dans une logique de production qui implique une tension entre les aspirations d’exploration créatives et la rencontre des coûts de production et les délais des représentations. Même si l’industrie du cirque est une des plus créatives, il n’y a pas beaucoup de place pour l’innovation technologique dans le développement des spectacles car cela implique d’importants risques financiers pour l’entreprise. Dans un même ordre d’idées, la direction artistique transigeant avec des délais serrés, il y a peu de marge de manœuvre pour tester et explorer de nouvelles technologies. Par conséquent, il y a peu d'occasions pour démontrer comment la technologie peut les aider à aller plus loin. Pourtant, quand la crise sanitaire a forcé la fermeture des salles de spectacle, les 7 Doigts ont transformé cette contrainte en opportunité en mettant sur pied un espace unique de création. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://7doigts.com/lab">Le LAB 7</a> est un studio de recherche et de développement appliqué où la technologie vient soutenir le propos narratif et où se rencontrent les professionnels de la scène et du multimédia. Cela a permis la création d’un collectif d’artistes et d’un écosystème plus large où les métiers des arts vivants peuvent échanger. L’approche en écosystème a des impacts visibles grâce aux bénéfices apportés par la recherche appliquée et la R&amp;D. Elles ont changé la façon d’intégrer la technologie dans les approches narratives et de pousser plus loin les arts vivants.Les réflexionsLa discussion qui a suivi a soulevé les questions du financement et de l’évaluation du rendement et de l’efficacité. Comment financer le résultat d’une création? Comment calculer et justifier les gains dans une offre créative et qualitative ? Comment montrer la valeur ajoutée des collaborations intersectorielles ? Comment établir de meilleures collaborations entre les universités et l’industrie ? Ghyslain Gagnon souligne le défi de formation pour les universités. Bien que cela implique une différence de temporalité, il y aurait avantage à développer des collaborations à long terme et profiter des structures déjà en place, par exemple par des appels à projet à l’interne pour mieux rejoindre les étudiants et intégrer le financement. Yan Breuleux propose de passer d’un paradigme de l’innovation à un paradigme de la collaboration. Ce processus collaboratif est bénéfique pour la formation et la médiation et donne aux dimensions sociales. Autrement dit, favoriser les relations et activer le maillage art-science-technologie. Pour Ghyslain Gagnon : « La recherche est un sport de contact ».En effet, les quatre autres panels lors de cette journée ont permis de mettre en place des collaborations fructueuses à travers de projets interdisciplinaires qui sont en cours en ce moment.

Panel 2 : Le design d'expérience en santé.

<h2>Comment la recherche biomédicale, la technologie immersive et le design inclusif dans les jeux vidéo peuvent collaborer dans le domaine de la santé.</h2>C'est sur l'étude des usages novateurs des technologies immersives et interactives dans le domaine de la santé que repose cette 2ème portion du colloque. La création d'expériences interactives vise à créer du bien-être via la mise en place de mécaniques de jeux vidéo empathiques, la création d'avatars interactifs et d'environnements immersifs. Les praticiens du domaine offrent de nouvelles voies de thérapies et contribuent à la mise en place de protocoles de recherche en santé se situant aux frontières de l'expérience et du traitement. Dans ce contexte, on se sert de l'expérience pour canaliser l'attention des patients et supporter différentes formes d'offres de soins existants par le biais de nouveaux usages des technologies immersives et interactives.Présentatrice/médiatrice : Barbara Decelle, Conseillère à la recherche en santé <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://ivado.ca/">IVADO</a>.

<h2>Stéphane Potvin</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://recherche.umontreal.ca/chercheur/is/in15415/">Stéphane Potvin</a> est chercheur en neurophysiologie. Ses travaux de recherche portent principalement sur le rôle néfaste que jouent le cannabis ou l’alcool sur les structures du cerveau chez les schizophrènes, en se focalisant notamment sur le système de récompense du cerveau.Les intérêts de recherche du Pr Potvin incluent aussi les mécanismes de modulation de la composante affective de la douleur et du traitement des émotions chez les schizophrènes abusant du cannabis, en utilisant la technique d’imagerie par résonance magnétique fonctionnelle. En plus d'être professeur titulaire, il coordonne les activités de l'axe Neurobiologie et cognition du <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://criusmm.ciusss-estmtl.gouv.qc.ca/fr">Centre de recherche de l'Institut universitaire en santé mentale de Montréal</a>.La RV, un nouvel outil de traitement en psychiatrie et en addictologieSelon Stéphane Potvin, chaque année au Canada, les coûts directs et indirects de la santé mentale sont de 50 milliards de dollars. Bien que l’efficacité des traitements pharmacologiques, les interventions psychosociales et la psychothérapie ont démontré leur efficacité, il y a toujours de la place pour l’amélioration. Les recherches cliniques ont démontré la validité d’une approche utilisant la Réalité virtuelle comme outil de traitement. Elle présente deux avantages majeurs. Premièrement, dans le traitement des troubles anxieux et de la toxicomanie, elle apporte une validité écologique en facilitant la transposition de ce qui est appris en contexte hospitalier dans la vie réelle. En effet, il est possible de recréer en RV lors des séances de thérapie le contexte où apparaissent les troubles de façon très réaliste. Le deuxième avantage de la RV est de parvenir à des états mentaux qui ne sont pas accessibles autrement. Par exemple, pour une personne qui entend des voix, il est possible de créer un avatar dont la voix aura la même voix mais qui sera contrôlée par le thérapeute. Ainsi, la personne atteinte de schizophrénie dialogue avec l’avatar en adoptant une attitude une attitude affirmative pour répondre à la voix. Les résultats sont déjà prometteurs et les prochaines recherches se pencheront à démontrer que l’approche par les avatars de la RV est plus efficace qu’une approche traditionnelle. Les prochains défis à relever concernent l’optimisation de la RV pour avoir des avatars encore plus réels en temps réel permettant une meilleure synchronisation des lèvres, ce qui peut faire décrocher le·la patient·te. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.ubisoft.com/fr-ca/">Ubisoft</a> a proposé sa technologie de synchronisation pour améliorer les enjeux en temps réel et le CDRIN collabore pour faciliter le transfert technologique. Ce partenariat permettra d’améliorer la plateforme et l’ajout d’options. Un projet de validation clinique actuellement en cours a permis de mesurer le réalisme et le sentiment amélioré de la nouvelle plateforme.<h2>Jean-François Malouin : Super Sublime</h2>Après un parcours en jeux vidéo et la découverte de la Réalité virtuelle lors de sa maîtrise, Jean-François Malouin a fondé une entreprise afin de soutenir et diffuser la création artistique. Les projets artistiques se sont alors réorientés pour avoir une portée plus sociale. De là est né l’OBNL (organisme à but non lucratif) <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.supersublime.org/">Super Sublime</a> il y a deux ans. « Super Sublime est un OBNL qui vise à apporter les bienfaits de l’art et de l’immersion aux personnes vulnérables et est en voie de devenir un organisme de bienfaisance » explique Jean-François Malouin. Super Sublime découle de son expérience de bénévolat avec des personnes handicapées, des personnes en fin de vie et des enfants polyhandicapés. Au-delà d’apporter une expérience divertissante, la RV peut devenir un outil d’intervention pour les éducateurs spécialisés, art thérapeute et les intervenants. Par exemple, l’expérience de RV Toujours dimanche vise à apporter la nature aux personnes qui ne peuvent pas s’y déplacer. Les défis ont été relevés grâce à une démarche ouverte de développement. La collaboration avec les intervenants, et l’écoute des usagers et de leurs proches, a conduit au développement d’une interface facile à utiliser, qui accentue le sentiment de présence et permet de vivre le moment à son rythme. Partant de cette collaboration et du besoin de former les intervenants aux enjeux techniques et humains d’accompagnement de la personne à l’expérience RV, une communauté de pratique émerge pour faciliter l’accessibilité de l’outil. Les bénéfices sont axés vers les usagers. La création vise le développement d’un outil ergonomique à partir d’une technologie plutôt que la génération de contenu. Cet outil est actuellement distribué dans des CIUSS et CHSLD. Super Sublime travaille à d’autres applications de la RV pour la gestion de la douleur par l’hypnose impliquant du neurofeedback et l’étude de la nature simulée chez les personnes psychiatrisées ou les premières nations. Le<a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.supersublime.org/pole-de-recherche"> Pôle de recherche interuniversitaire Super Sublime (PRISS) </a>permettra à des chercheurs différents de partager les connaissances, éviter le chevauchement tout en profitant de l’expertise de terrain en RV de Super Sublime.

<h2>David Labbé</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.etsmtl.ca/programmes-et-formations/corps-enseignant/dlabbe">David Labbé</a> est professeur agrégé au département de génie logiciel et des TI et directeur du programme de maîtrise en technologies de la santé à l’École de technologie supérieure. Il est également chercheur au <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.chumontreal.qc.ca/crchum">Centre de recherche du Centre hospitalier de l’Université de Montréal (CRCHUM)</a>. Ses expertises incluent la réalité virtuelle (RV), la réalité augmentée, l’analyse de mouvement, les technologies de la réadaptation et l'entraînement cognitif en RV. Ses travaux de recherche portent sur le développement de systèmes de RV immersifs et novateurs, avec une emphase particulière sur leur utilisabilité et leur transfert vers des applications réelles.Les projets de recherche de David Labbé portent sur l’utilisation de la réalité virtuelle et immersive ainsi que sur l’incarnation de l’avatar. En RV immersive, l’incarnation correspond au sentiment de l’utilisateur lorsque, par exemple, il fait bouger son avatar en temps réel (dans le monde virtuel) avec les mouvements de son propre corps. Autrement dit, les commandes motrices du corps de l’utilisateur sont exécutées par celui de l’avatar. L’utilisateur a l’impression que le corps de l’avatar est son corps, qu’il peut ressentir à travers l’avatar et de vivre ce qui se passe dans l’environnement virtuel. On dira alors que l’utilisateur intègre l’avatar à son schéma corporel. C’est pourquoi l’incarnation est très utilisée dans le domaine de la psychologie pour travailler sur la perception du retour de mouvements et l’apprentissage moteur qu’on appelle la boucle perception-action. Le sentiment d’incarnation est induit de deux façons : par la synchronisation visuo-tactile – le corps virtuel et le corps physique de la personne sont touchés au même endroit au même moment – et par la synchronisation visuo-motrice – la personne bouge et l’avatar exécute le mouvement grâce à la capture de mouvements. Une des deux techniques peut être employée mais l’effet est plus saisissant si les deux sont combinées. Par exemple, pour la réadaptation motrice de la marche, l’incarnation incite les utilisateurs à modifier leur démarche pour suivre celle de l’avatar. Il y a réalignement du corps physique sur le corps virtuel. On peut alors manipuler l’avatar afin d’améliorer la démarche. Autre exemple, dans le domaine de l’orthophonie, consiste à recréer en RV des environnements anxiogènes qui provoquent le bégaiement pour que la personne apprenne à se désensibiliser. Les avatars animés par les orthophonistes dans l’environnement RV permettent au patient.te de se pratiquer à interagir pour apprendre à contrôler leur bégaiement. Finalement, l’incarnation est utile dans le domaine du sport pour développer des outils afin que les athlètes s'entraînent de façon plus sécuritaire, particulièrement en boxe afin d’éviter les coups de poings à la tête pendant l’entrainement. L’exercice consiste à anticiper et réagir aux mouvements d’un avatar virtuel provenant d’une banque de données issue de la capture de la cinématique de boxeurs professionnels. Un IA effectue une synthèse de mouvements à partir de cette banque de données et permet au boxer virtuel de réagir de façon réaliste et d’ajuster le style de boxe.

<h2>Laurent Gosselin – Gravity Rehabilitation : le jeu sérieux pour la réadaptation</h2>Laurent Gosselin est un expert mondial de la transformation numérique des interventions de réadaptation, utilisant des jeux vidéo conçus pour répondre aux impératifs cliniques. Depuis 2002, il développe des expériences d’apprentissages vidéoludique qu’il a intégré dans divers projets. Son approche centrée sur les besoins de l’utilisateur a été mise à profit en 2014, lorsqu’il participe à l’évènement Hacking Health, qui change à jamais sa trajectoire professionnelle, s’orientant désormais vers le domaine de la santé, en réadaptation. En 2016, il complète une maîtrise sur L’interactivité au service de l’accompagnement en réadaptation : Projet de jeu numérique Kart un carré de sable thérapeutique. Il poursuit sa scolarité au Doctorat en réadaptation de l’école de médecine de l’Université de Montréal où il comprend alors l’importance de concevoir des solutions qui assistent les différents acteurs de la recherche et du contexte clinique. Il fonde alors <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.linkedin.com/in/laurentgravity/?original_referer=https%3A%2F%2Fwww%2Egoogle%2Ecom%2F&amp;originalSubdomain=ca">Gravity Réhabilitation</a> avec Karl Emanuel Dionne, professeur en innovation ouverte en santé au HEC. Ensemble, ils conçoivent des outils qui facilitent la conception de jeux vidéo clinique, qui assistent la gestion des interventions de réadaptation et augmentent la motivation des bénéficiaires.Gravity Rehabilitation propose une plateforme de collaboration qui optimise les flux de connaissances pour pallier la complexité du développement des jeux sérieux. Elle permet aux groupes de chercheurs de s’assurer que le jeu soit adéquat au contexte durant le processus d’accompagnement de la réadaptation. L’enjeu principal auquel fait face le développement du jeu sérieux est le manque de connaissance des cliniciens, qui révèle en fait la peur des thérapeutes de se faire remplacer par la technologie. Néanmoins, les connaissances et la science pour supporter l’efficacité du jeu sérieux et de la RV existent. Par contre, on constate que les jeux produits dans les laboratoires de recherche sont difficilement transférables et diffusables à grande échelle. La meilleure approche à adopter consiste à faire de l’innovation ouverte en gardant le⸱la patient.te au centre des préoccupations. L’innovation ouverte gère les flux de connaissances à la frontière des entreprises et de la recherche. La plateforme de Gravity Rehabilitation permet de structurer les communications et les flux de connaissances entre la recherche, la clinique et le patient. Pour les chercheurs, elle constitue également un outil de création et de diffusion de protocoles facilement applicable par les cliniciens, et accorde aux patients·tes de profiter du jeu. À terme, cela permet à chacun des acteurs d’optimiser son rôle et faire bénéficier le patient. Par exemple, avec le projet d’Alyn Hospital [1] à Jérusalem, lorsque l’enfant complète le jeu d'entraînement pour fauteuil roulant électrique, recevra à la fin du protocole la prescription pour son fauteuil.<hr><hr><hr><hr><hr><ol><li>Alyn Hospital sont les leaders mondiaux en conduite de fauteuils roulants motorisés.</li></ol>

<h3>Laurent Gosselin – Gravity Rehabilitation : le jeu sérieux pour la réadaptation</h3>Laurent Gosselin est un expert mondial de la transformation numérique des interventions de réadaptation, utilisant des jeux vidéo conçus pour répondre aux impératifs cliniques. Depuis 2002, il développe des expériences d’apprentissages vidéoludique qu’il a intégré dans divers projets. Son approche centrée sur les besoins de l’utilisateur a été mise à profit en 2014, lorsqu’il participe à l’évènement Hacking Health, qui change à jamais sa trajectoire professionnelle, s’orientant désormais vers le domaine de la santé, en réadaptation. En 2016, il complète une maîtrise sur L’interactivité au service de l’accompagnement en réadaptation : Projet de jeu numérique Kart un carré de sable thérapeutique. Il poursuit sa scolarité au Doctorat en réadaptation de l’école de médecine de l’Université de Montréal où il comprend alors l’importance de concevoir des solutions qui assistent les différents acteurs de la recherche et du contexte clinique. Il fonde alors <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.linkedin.com/in/laurentgravity/?original_referer=https%3A%2F%2Fwww%2Egoogle%2Ecom%2F&amp;originalSubdomain=ca">Gravity Réhabilitation</a> avec Karl Emanuel Dionne, professeur en innovation ouverte en santé au HEC. Ensemble, ils conçoivent des outils qui facilitent la conception de jeux vidéo clinique, qui assistent la gestion des interventions de réadaptation et augmentent la motivation des bénéficiaires.Gravity Rehabilitation propose une plateforme de collaboration qui optimise les flux de connaissances pour pallier la complexité du développement des jeux sérieux. Elle permet aux groupes de chercheurs de s’assurer que le jeu soit adéquat au contexte durant le processus d’accompagnement de la réadaptation. L’enjeu principal auquel fait face le développement du jeu sérieux est le manque de connaissance des cliniciens, qui révèle en fait la peur des thérapeutes de se faire remplacer par la technologie. Néanmoins, les connaissances et la science pour supporter l’efficacité du jeu sérieux et de la RV existent. Par contre, on constate que les jeux produits dans les laboratoires de recherche sont difficilement transférables et diffusables à grande échelle. La meilleure approche à adopter consiste à faire de l’innovation ouverte en gardant le⸱la patient.te au centre des préoccupations. L’innovation ouverte gère les flux de connaissances à la frontière des entreprises et de la recherche. La plateforme de Gravity Rehabilitation permet de structurer les communications et les flux de connaissances entre la recherche, la clinique et le patient. Pour les chercheurs, elle constitue également un outil de création et de diffusion de protocoles facilement applicable par les cliniciens, et accorde aux patients·tes de profiter du jeu. À terme, cela permet à chacun des acteurs d’optimiser son rôle et faire bénéficier le patient. Par exemple, avec le projet d’Alyn Hospital [1] à Jérusalem, lorsque l’enfant complète le jeu d'entraînement pour fauteuil roulant électrique, recevra à la fin du protocole la prescription pour son fauteuil.<hr><ol><li>Alyn Hospital sont les leaders mondiaux en conduite de fauteuils roulants motorisés.</li></ol>

<h2>Discussion</h2>Dans la discussion qui a suivi ces interventions, les propos ont gravité autour des méthodes de travail des équipes interdisciplinaires et sur la technologie RV (réalité virtuelle). Il faut se rappeler que dans le milieu de la recherche clinique, les projets évoluent selon un rythme particulier qui n’est pas celui de la livraison d’un produit. Cela débute par des équipes cliniques déjà en place auxquelles doivent s’intégrer des « créatifs ». Au début des projets, les recherches accordent plus d'importance aux bénéfices apportés que sur l’aspect ludique ou artistique. Généralement, la plateforme développée repose sur un modèle de thérapie qui sert d’aimant pour attirer les collaborations et les interventions ciblées autour de celle-ci. En outre, les étudiants qui collaborent à ces projets sont appelés à développer le côté technique et s’intéresser au côté clinique. Ainsi, chaque projet devient une petite communauté de pratique. Et comme le disait si bien Jean-François Malouin, « pas de jeu sérieux sans interdisciplinarité ». Il faut s’avoir s’inviter sur le terrain de l’autre et développer un savoir être pour éviter les frictions. Parallèlement, les facteurs qui favorisent le développement et l’acceptation des nouvelles approches technologiques jouent un rôle similaire. Cela consiste à rendre accessible la technologie et diminuer l’empreinte écologique d’où découle plusieurs bénéfices : éviter achat individuel en facilitant l’emprunt, mettre application sur mobile pour le suivi à distance et rentabiliser des objets qui ont déjà eu leur coût écologique. La création d’un tel écosystème, en y incluant les enjeux de relations humaines, permet de soutenir le projet à long terme. Il demeure néanmoins essentiel de développer une relation forte entre le thérapeute et le patient·te avant l’expérience VR tout comme le thérapeute doit se sentir à l’aise avec la technologie proposée. Bien que la promesse du VR ne soit pas là pour le grand public, les expériences qu’elle propose permettent aux gens vulnérables d’avoir le plaisir d’être ailleurs, de vivre des choses « banales » comme se promener sur une plage.

<h3>Discussion</h3>Dans la discussion qui a suivi ces interventions, les propos ont gravité autour des méthodes de travail des équipes interdisciplinaires et sur la technologie RV (réalité virtuelle). Il faut se rappeler que dans le milieu de la recherche clinique, les projets évoluent selon un rythme particulier qui n’est pas celui de la livraison d’un produit. Cela débute par des équipes cliniques déjà en place auxquelles doivent s’intégrer des « créatifs ». Au début des projets, les recherches accordent plus d'importance aux bénéfices apportés que sur l’aspect ludique ou artistique. Généralement, la plateforme développée repose sur un modèle de thérapie qui sert d’aimant pour attirer les collaborations et les interventions ciblées autour de celle-ci. En outre, les étudiants qui collaborent à ces projets sont appelés à développer le côté technique et s’intéresser au côté clinique. Ainsi, chaque projet devient une petite communauté de pratique. Et comme le disait si bien Jean-François Malouin, « pas de jeu sérieux sans interdisciplinarité ». Il faut s’avoir s’inviter sur le terrain de l’autre et développer un savoir être pour éviter les frictions. Parallèlement, les facteurs qui favorisent le développement et l’acceptation des nouvelles approches technologiques jouent un rôle similaire. Cela consiste à rendre accessible la technologie et diminuer l’empreinte écologique d’où découle plusieurs bénéfices : éviter achat individuel en facilitant l’emprunt, mettre application sur mobile pour le suivi à distance et rentabiliser des objets qui ont déjà eu leur coût écologique. La création d’un tel écosystème, en y incluant les enjeux de relations humaines, permet de soutenir le projet à long terme. Il demeure néanmoins essentiel de développer une relation forte entre le thérapeute et le patient·te avant l’expérience VR tout comme le thérapeute doit se sentir à l’aise avec la technologie proposée. Bien que la promesse du VR ne soit pas là pour le grand public, les expériences qu’elle propose permettent aux gens vulnérables d’avoir le plaisir d’être ailleurs, de vivre des choses « banales » comme se promener sur une plage.

Panel 3 : Les enjeux de recherche en design d’expérience 

<h3 id="la-pratique-du-design-dexpérience-se-situe-à-lintersection-de-connaissances-provenant-de-multiples-champs-disciplinaires">La pratique du design d&#39;expérience se situe à l&#39;intersection de connaissances provenant de multiples champs disciplinaires.</h3>
Chaque nouveau projet peut mobiliser des savoirs provenant de recherches en littérature, en architecture, en science cognitive, en intelligence artificielle etc. Ce panel se penche sur des projets provenant à la fois de créateurs et de chercheurs en se concentrant sur les enjeux de recherche intersectoriels qui traversent ce secteur en perpétuel changement.
Animation : Louis-Richard Tremblay, Producteur exécutif à l’<a href="https://www.onf.ca/">Office National du Film</a>

<h3>La pratique du design d'expérience se situe à l'intersection de connaissances provenant de multiples champs disciplinaires.</h3>Chaque nouveau projet peut mobiliser des savoirs provenant de recherches en littérature, en architecture, en science cognitive, en intelligence artificielle etc. Ce panel se penche sur des projets provenant à la fois de créateurs et de chercheurs en se concentrant sur les enjeux de recherche intersectoriels qui traversent ce secteur en perpétuel changement.Animation : Louis-Richard Tremblay, Producteur exécutif à l’<a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.onf.ca/">Office National du Film</a>

<h2>Julien Robert : Créateur, musicien et fondateur de Vidéo Phase qui explore des nouvelles formes d’expériences scéniques.</h2>Julien Robert expose le contexte de création des projets de Vidéo Phase. À mi-chemin entre la musique et l’art numérique, les créations de Vidéo Phase fusionnent en un seul objet scénique la vidéo et la technologie : projections vidéo, environnements 3D et interfaces conçues sur mesure pour chaque spectacle. Les performeurs interagissent avec l’environnement scénique comme avec un instrument pour créer de la musique. <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://videophase.net/fr">Vidéo Phase</a>, en tant que duo d'artistes indépendants, développe tous ses projets en interne. Néanmoins, le duo collabore avec des chercheurs et des établissements scolaires notamment avec le <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://claurendeau.qc.ca/">CÉGEP André-Laurendeau</a> et l’ÉTS. Ces collaborations permettent le développement d’expertises dans le contexte dynamique de la production artistique. Elles soulèvent également des questions relatives à ce type de partenariat sur la jonction entre création et recherche.

<h2>Sandra Rodriguez : Directrice de création (VR/XR et IA) ainsi que sociologue des médias émergents.</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://ca.linkedin.com/in/sandrarodriguez1/fr">Sandra Rodriguez</a> mène une double démarche de recherche et de création simultanées. Elle constate un besoin grandissant pour des profils d’individus capables de poursuivre sur ces deux voies conjointement dans le domaine des technologies émergentes et du numérique. Cela implique d’être capable de comprendre les technologies en repensant leur usage allant parfois à l’encontre de pourquoi elles ont été créées. Pour Sandra Rodriguez : « La meilleure manière de comprendre les capacités du nouveau médium, c’est de créer avec. Ça décloisonne l’utilisation et ça nous permet d’inventer de nouvelles utilisations ». Le maillage entre recherche et création permet le dépassement en montrant ce qui est possible par la création. Cela ouvre les imaginaires et même au niveau de la recherche. Cela crée un point d’ancrage entre recherche et création qui permet de démystifier les outils technologiques. Ceci contribue à décloisonner les débats sur les enjeux sociaux, l’avenir des technologies et des médias émergents en rapprochant les créateurs et le public. Au final, les artistes médiatiques contribuent à démystifier un médium comme artistes et comme scientifiques à la fois.

<h3>Sandra Rodriguez : Directrice de création (VR/XR et IA) ainsi que sociologue des médias émergents.</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://ca.linkedin.com/in/sandrarodriguez1/fr">Sandra Rodriguez</a> mène une double démarche de recherche et de création simultanées. Elle constate un besoin grandissant pour des profils d’individus capables de poursuivre sur ces deux voies conjointement dans le domaine des technologies émergentes et du numérique. Cela implique d’être capable de comprendre les technologies en repensant leur usage allant parfois à l’encontre de pourquoi elles ont été créées. Pour Sandra Rodriguez : « La meilleure manière de comprendre les capacités du nouveau médium, c’est de créer avec. Ça décloisonne l’utilisation et ça nous permet d’inventer de nouvelles utilisations ». Le maillage entre recherche et création permet le dépassement en montrant ce qui est possible par la création. Cela ouvre les imaginaires et même au niveau de la recherche. Cela crée un point d’ancrage entre recherche et création qui permet de démystifier les outils technologiques. Ceci contribue à décloisonner les débats sur les enjeux sociaux, l’avenir des technologies et des médias émergents en rapprochant les créateurs et le public. Au final, les artistes médiatiques contribuent à démystifier un médium comme artistes et comme scientifiques à la fois.

<h2>Sébastien Grenier Cartier : Directeur Général et Associé Normal Studio.</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://normal.studio/fr/">Normal Studio</a>, qui œuvre dans le domaine du divertissement, des arts de la scène et des installations permanentes, se consacre à combler l’écart entre le contenant et le contenu. L’approche du studio consiste à mieux comprendre la technologie pour créer du meilleur contenu. Les avenues de recherche émergent de la pratique en tentant de combler les manquements entre les outils de production numérique. Par exemple, pour le projet avec l’Opéra de Montréal en collaboration avec l’UdeM qui consistait à créer un opéra en réalité augmentée pour aller chercher de nouveaux publics, différentes expertises ont collaboré pour faire la capture volumétrique et la diffusion sur les tablettes et téléphones. En outre, il s’avère pertinent pour les chercheurs et les développeurs de technologie de se rapprocher des utilisateurs et des créateurs car cela apporte une nouvelle perspective sur comment développer l’outil. Par ailleurs, le partenariat avec Panasonic comme consultants sur l’utilisation de projecteurs a permis d’établir que les qualités recherchées pour un projecteur ce n’est pas d’avoir plus de pixels mais être plus petit, malléable, avoir une durée de vie plus longue et une colorimétrie qui s’ajuste à la lumière ambiante. Cet exemple montre comment le dialogue entre inférieur et créateur peut réellement aider à développer un produit qui se démarque et qui répond aux besoins des utilisateurs.

<h3>Sébastien Grenier Cartier : Directeur Général et Associé Normal Studio.</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://normal.studio/fr/">Normal Studio</a>, qui œuvre dans le domaine du divertissement, des arts de la scène et des installations permanentes, se consacre à combler l’écart entre le contenant et le contenu. L’approche du studio consiste à mieux comprendre la technologie pour créer du meilleur contenu. Les avenues de recherche émergent de la pratique en tentant de combler les manquements entre les outils de production numérique. Par exemple, pour le projet avec l’Opéra de Montréal en collaboration avec l’UdeM qui consistait à créer un opéra en réalité augmentée pour aller chercher de nouveaux publics, différentes expertises ont collaboré pour faire la capture volumétrique et la diffusion sur les tablettes et téléphones. En outre, il s’avère pertinent pour les chercheurs et les développeurs de technologie de se rapprocher des utilisateurs et des créateurs car cela apporte une nouvelle perspective sur comment développer l’outil. Par ailleurs, le partenariat avec Panasonic comme consultants sur l’utilisation de projecteurs a permis d’établir que les qualités recherchées pour un projecteur ce n’est pas d’avoir plus de pixels mais être plus petit, malléable, avoir une durée de vie plus longue et une colorimétrie qui s’ajuste à la lumière ambiante. Cet exemple montre comment le dialogue entre inférieur et créateur peut réellement aider à développer un produit qui se démarque et qui répond aux besoins des utilisateurs.

<h2>David St-Onge : professeur agrégé en génie mécanique à l’École de technologie supérieure et directeur du <a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://initrobots.ca/">Laboratoire INIT Robots</a>.</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://www.etsmtl.ca/programmes-et-formations/corps-enseignant/dastonge">David St-Onge</a> répond à la question « Pourquoi un ingénieur veut travailler avec des artistes ? » Les collaborations art-science font partie du parcours de David St-Onge depuis longtemps. De ses collaborations pour créer des machines de cirque ou avec des artistes comme Rafael Lozano-Hemmer dans le domaine des médias interactifs et des installations performatives, il a acquis une expérience notable dans le domaine de la recherche-création. Il œuvre maintenant davantage du côté recherche en tant que professeur et chercheur à l’ÉTS mais, ce « retour à l’école » lui offre une certaine liberté qu’il n’avait pas sur le marché de l’emploi. Aussi, le milieu de la recherche permet de retrouver la possibilité de communiquer et partager ses recherches avec des créateurs. La collaboration entre artiste et chercheur lors de projets d’expérience utilisateur en robotique ont permis de faire ressortir la nécessité dans les interactions personne-machine de rendre système robotiques plus intuitifs et sécuritaires. De plus, le concepteur- ingénieur se retrouve rarement dans la peau de l’opérateur et la collaboration avec des artistes permet de comprendre l’expérience qu’ils vont avoir avec le système robotique. Développer des systèmes robotiques avec les utilisateurs permet d’anticiper la façon dont ils vont interagir avec le système. Par exemple, dans le projet d’exosquelette Haut-parleur humain de Natalia Petkova, le chercheur s’interrogeait sur la perception et la réception du prototype avant et après performance. En d’autres mots; est-ce que la mise en scène avant la performance influence la perception du public sur le dispositif ? La réaction au dispositif a été sondée dans quatre pays, et il semble que le public considère qu'il est possible de développer une relation avec la machine. Pour le projet Colonisateur sonore de Jean-Pierre Gauthier, le développement d’une trame sonore par le retour sonore à l’opérateur qui lui permettait de créer de nouveaux mouvements avec le système robotique. La collaboration de différents créateurs fut nécessaire pour rendre l’expérience plus dynamique, intéressante et agréable. En outre, les robots ont des qualités expressives différentes (par exemple, les petits robots « sushi » vs les robots à taille humaine). Il devient alors pertinent d’apprendre à manipuler l’expressivité des robots pour l’intégrer au système robotique afin de rendre le système plus expressif. Ce projet a permis d'entamer une nouvelle collaboration avec des danseurs de l'UQAM afin d’identifier des qualités expressives et créer une expérience hybride. L'objectif est d'apprendre des artistes, experts en expressivité, pour ensuite intégrer ces connaissances dans un système robotique.

<h2>Nicolas S. Roy : Président et directeur de création exécutif chez Dpt.</h2><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://dpt.co/fr/">DPT </a>est un studio spécialisé dans le développement de dispositifs pour la création de plateformes et de lieux immersifs. Travaillant dans les domaines de la réalité virtuelle, de la réalité augmentée, de la réalité mixte et des espaces physiques, les projets de DPT se distinguent par leur utilisation innovante de la technologie. Le studio dispose également d'un laboratoire de recherche et développement dont l'objectif principal est de rapprocher la réalité virtuelle du monde physique. Le studio a trois axes de recherche clés. La réalité augmentée et mixte vise à superposer de manière précise le monde physique et numérique. Développé à l’interne, ce projet explore de nouvelles approches en réalité augmentée. La capture volumétrique permet d'intégrer le monde réel dans le virtuel. Il est ainsi possible de créer des mondes virtuels, à partir de quelques photos, qui offrent des prises de vues uniques et y intégrer de l'interactivité. L'intelligence artificielle est utilisée pour générer des visuels. Finalement, DPT comprend un laboratoire de recherche et développement qui compte plusieurs personnes dédiées. L'orientation actuelle du studio est axée une approche de projet mais l’intention est de développer davantage l'aspect recherche.

<h3>Nicolas S. Roy : Président et directeur de création exécutif chez Dpt.</h3><a target="_blank" rel="noopener noreferrer nofollow" href="https://dpt.co/fr/">DPT </a>est un studio spécialisé dans le développement de dispositifs pour la création de plateformes et de lieux immersifs. Travaillant dans les domaines de la réalité virtuelle, de la réalité augmentée, de la réalité mixte et des espaces physiques, les projets de DPT se distinguent par leur utilisation innovante de la technologie. Le studio dispose également d'un laboratoire de recherche et développement dont l'objectif principal est de rapprocher la réalité virtuelle du monde physique. Le studio a trois axes de recherche clés. La réalité augmentée et mixte vise à superposer de manière précise le monde physique et numérique. Développé à l’interne, ce projet explore de nouvelles approches en réalité augmentée. La capture volumétrique permet d'intégrer le monde réel dans le virtuel. Il est ainsi possible de créer des mondes virtuels, à partir de quelques photos, qui offrent des prises de vues uniques et y intégrer de l'interactivité. L'intelligence artificielle est utilisée pour générer des visuels. Finalement, DPT comprend un laboratoire de recherche et développement qui compte plusieurs personnes dédiées. L'orientation actuelle du studio est axée une approche de projet mais l’intention est de développer davantage l'aspect recherche.

<h2>Discussion</h2>Qu’est-ce que cela signifie d’associer un chercheur et un créateur ? L’expérience démontre que les chercheurs, au contact des créateurs, s'éveillent à de nouvelles perspectives. Ces rencontres offrent un champ de collaboration immense, permettant de trouver des points de convergence significatifs. Cependant, les temporalités différentes entre le projet et la structure académique posent un défi généralisé. Parfois, recruter des étudiants peut être difficile, mais cela leur offre une occasion unique de développer des connaissances, d'apprendre à communiquer et de comprendre les besoins spécifiques d’un client pour faire avancer le projet. En outre, la création et la production ne suivent pas le même rythme. Il est donc essentiel d'explorer les opportunités de mutualisation sur le long terme et de trouver une autre manière de gérer les collaborations que par l’approche par projet, car la recherche est un processus continu. Une des clés consiste à évaluer les éléments transférables dans un projet de création et à effectuer des allers-retours entre la recherche et la mise en application afin de traduire les connaissances théoriques en un projet concret.Il est crucial de trouver des solutions communes à la recherche et à la création. Les silos de performance peuvent parfois freiner les partenariats, alors que l'approche de la science ouverte permet de faire circuler et partager les connaissances, favorisant ainsi les structures qui encouragent le maillage. Étant donné que les rythmes de création et de recherche sont différents, il est parfois stratégique, pour obtenir du financement, de présenter un prototype fonctionnel démontrant la faisabilité et inspirant par l’utilisation technologique. En effet, l’amélioration des modèles de financement, encore largement axés sur des secteurs spécifiques, gagnerait à s’inspirer du décloisonnement des partenariats entre recherche et création. En somme, le développement d’écosystèmes mettant en relation les disciplines, la recherche et la création semble être une approche prometteuse.À suivre dans les prochaines parutions pour le résumé des panels de cette journée.

<h3>Discussion</h3>Qu’est-ce que cela signifie d’associer un chercheur et un créateur ? L’expérience démontre que les chercheurs, au contact des créateurs, s'éveillent à de nouvelles perspectives. Ces rencontres offrent un champ de collaboration immense, permettant de trouver des points de convergence significatifs. Cependant, les temporalités différentes entre le projet et la structure académique posent un défi généralisé. Parfois, recruter des étudiants peut être difficile, mais cela leur offre une occasion unique de développer des connaissances, d'apprendre à communiquer et de comprendre les besoins spécifiques d’un client pour faire avancer le projet. En outre, la création et la production ne suivent pas le même rythme. Il est donc essentiel d'explorer les opportunités de mutualisation sur le long terme et de trouver une autre manière de gérer les collaborations que par l’approche par projet, car la recherche est un processus continu. Une des clés consiste à évaluer les éléments transférables dans un projet de création et à effectuer des allers-retours entre la recherche et la mise en application afin de traduire les connaissances théoriques en un projet concret.Il est crucial de trouver des solutions communes à la recherche et à la création. Les silos de performance peuvent parfois freiner les partenariats, alors que l'approche de la science ouverte permet de faire circuler et partager les connaissances, favorisant ainsi les structures qui encouragent le maillage. Étant donné que les rythmes de création et de recherche sont différents, il est parfois stratégique, pour obtenir du financement, de présenter un prototype fonctionnel démontrant la faisabilité et inspirant par l’utilisation technologique. En effet, l’amélioration des modèles de financement, encore largement axés sur des secteurs spécifiques, gagnerait à s’inspirer du décloisonnement des partenariats entre recherche et création. En somme, le développement d’écosystèmes mettant en relation les disciplines, la recherche et la création semble être une approche prometteuse.À suivre dans les prochaines parutions pour le résumé des panels de cette journée.

À propos de l'autrice

Marie-Ève Morissette a travaillé une vingtaine d’années comme designer et elle complète présentement une maîtrise en design numérique à l’École NAD. Son parcours pluridisciplinaire comprend un baccalauréat en communication graphique (ULaval), une maîtrise en design de l’environnement et un DESS en design d’événements de l’UQAM. Ses recherches actuelles portent sur le concept de la rencontre dans les installations interactives qui mobilisent matérialité, interface, haptique et son.